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lunes, 25 de mayo de 2009
lunes, 18 de mayo de 2009
exposicion land art
Durante el último siglo la expresión artística se ha abierto camino a través de nuevos medios, lenguajes, materiales, significados.
¿Qué es el Land art?
En la década de los setenta del siglo XX hubo varios artistas, en especial norteamericanos y europeos, que comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural.
El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico
Finalidad
Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado.
Técnica
El artista plástico Land art utiliza como materia prima para sus obras la tierra, el medio ambiente. El soporte y el material es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural, lo mismo montañas, que desiertos. Su principal técnica es la instalación en el paisaje, en donde sus trabajos llegaron a interactuar con el medio ambiente ahora de forma más directa, modificando una fracción del paisaje.
Exponentes y formas del land-art
Empleo de materiales de la naturaleza
Artificio y como contraste o resalte de la naturaleza
Redescubrimiento y puesta en escena del orden cósmico y de las fuerzas naturales
Otros
Artistas y obras
Una de las obras ejemplares de esta corriente artística fue Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una gran espiral hecha a partir de rocas, tierra y cristales de sales en las costas del Great Salt Lake (Gran Lago Salado) en el estado de Utah, Estados Unidos.
spiral jetty
• Robert Smithson
Christo and Jeanne-Claude
The Umbrellas, Japan - USA, 1984-91
Christo and Jeanne-Claude
Vallley Curtain, Rifle, Colorado, 1970-72
Wrapped Trees, Fondation Beyeler and Berower Park, Riehen, Switzerland 1997-98
Christo and Jeanne-Claude
Wrapped Reichstag, Berlin 1971-95
Christo and Jeanne-Claude
Surrounded Islands, Miami, Florida 1980-83
Land art = arte y Naturaleza
Richard long
midsummer circle
Paddy field chaff circle
a walkin and running circle
Georgia south caroline wyoming circle
¿Qué es el Land art?
En la década de los setenta del siglo XX hubo varios artistas, en especial norteamericanos y europeos, que comenzaron a elaborar obras de arte a partir del medio natural.
El Land art es una tendencia del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera, tierra, piedras, arena, rocas, etc.). Esta expresión inglesa se ha traducido también como «arte de la construcción del paisaje» o «arte terrestre». Generalmente, las obras se encuentran en el exterior, expuestas a los elementos, y sometidas a la erosión natural; así pues, algunas desaparecieron, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico
Finalidad
Su finalidad es producir emociones plásticas en el espectador que se enfrenta a un paisaje determinado.
Técnica
El artista plástico Land art utiliza como materia prima para sus obras la tierra, el medio ambiente. El soporte y el material es el propio paisaje existente, tanto urbano como rural, lo mismo montañas, que desiertos. Su principal técnica es la instalación en el paisaje, en donde sus trabajos llegaron a interactuar con el medio ambiente ahora de forma más directa, modificando una fracción del paisaje.
Exponentes y formas del land-art
Empleo de materiales de la naturaleza
Artificio y como contraste o resalte de la naturaleza
Redescubrimiento y puesta en escena del orden cósmico y de las fuerzas naturales
Otros
Artistas y obras
Una de las obras ejemplares de esta corriente artística fue Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una gran espiral hecha a partir de rocas, tierra y cristales de sales en las costas del Great Salt Lake (Gran Lago Salado) en el estado de Utah, Estados Unidos.
spiral jetty
• Robert Smithson
Christo and Jeanne-Claude
The Umbrellas, Japan - USA, 1984-91
Christo and Jeanne-Claude
Vallley Curtain, Rifle, Colorado, 1970-72
Wrapped Trees, Fondation Beyeler and Berower Park, Riehen, Switzerland 1997-98
Christo and Jeanne-Claude
Wrapped Reichstag, Berlin 1971-95
Christo and Jeanne-Claude
Surrounded Islands, Miami, Florida 1980-83
Land art = arte y Naturaleza
Richard long
midsummer circle
Paddy field chaff circle
a walkin and running circle
Georgia south caroline wyoming circle
lunes, 13 de abril de 2009
exposicion Henri de Toulouse-Lautrec
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec-Monfa Tapié de Celeyran, conde de Toulouse-Lautrec-Monfa, conocido simplemente como Toulouse Lautrec (Hôtel du Bosc, Albi, 24 de noviembre de 1864 - Malromé, 9 de septiembre de 1901) fue un pintor y cartelista francés que destacó por su representación de la vida nocturna parisiense de finales del siglo XIX. Se le enmarca en la generación del postimpresionismo.
Nace en el seno de una de las más antiguas familias de Francia, de nobleza carolingia, descendiente directo de los condes de Toulouse. En su familia, como era habitual en muchas sagas de la gran aristocracia, los matrimonios se realizaban entre parientes para evitar las divisiones territoriales y la dispersión de la fortuna. Éste fue el caso de los padres de Henri, Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa (1283-13560) y la condesa Adèle Tapié de Celeyran (1841 - 1930), que eran primos en primer grado. La endogamia hubo de condicionar la salud del artista. Henri fue el primogénito y cuando tenía cuatro años, nació su hermano Richard-Constantine, que falleció un año después.
La toilette es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre cartón. Mide 67 cm de alto y 54 cm de ancho. Fue pintado en 1896, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia.
Es un cuadro tomado del natural, en uno de aquellos prostíbulos que el artista visitaba y en los que pasaba muchas horas del día. El encuadre es fotográfico, con evidente acento en el punto de vista en contrapicado, de arriba hacia abajo.
La modelo, los pobres objetos de la ambientación recuerdan a Degas, del que Toulouse-Lautrec se consideraba un continuador ideal. La intimidad femenina le atrae del mismo modo que a Degas, como puede verse en esta obra y otras análogas de la misma época: Mujer peinándose (1891), Mujer que se estira la media (1894) o En el aseo (1898).[1]
Los colores son utilizados con parsimonia, en algunos puntos aflora el color del cartón que sirve de fondo. Las intuiciones impresionistas se superan en este cuadro, gracias a las sugerencias realistas próximas a Van Gogh.
Los colores son fríos y luminosos. La pincelada es vigorosa. Produce la sensación de cuadro inacabado, de boceto.[2]
La payasa Cha-U-Kao es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre cartón. Mide 64 cm de alto y 49 cm de ancho. Fue pintado en 1895, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia.
El mundo del circo fascinó siempre a Toulouse-Lautrec. Ya lo pintó en los años 1880, y vuelve a ello en la década siguiente, con obras como esta. Las payasas son una variación más de su tema favorito, que es la representación de las mujeres de la noche.[1] Era ya la época de madurez de Toulouse-Lautrec, que fallecería en 1901 y, como es típico de esta última etapa, la pincelada resulta más pesada, con un empaste más grueso.[2]
Cha-U-Kao es un nombre onomatopéyico con el significado de «ruido y caos», que se suponía provocado por las actuaciones circenses.[3] El pintor la había tomado como modelo en otras ocasiones. Es un cuadro realizado en el Moulin Rouge, cabaret parisino frecuentado por Toulouse-Lautrec.[2]
Toulouse-Lautrec representa a la payasa en su camerino, con una peluca blanca y un vestido azul, y poniéndose el tutú amarillo. El intenso cromatismo de la pintura (amarillo, morado, rojo, turquesa) da una gran vitalidad a la escena.[3] Hay rasgos estilísticos que recuerdan las estampas japonesas que tanta influencia tuvieron en los pintores de esta época: con muy pocos trazos describe el ambiente, le da un tratamiento plástico y esquemático al busto de la modelo.[2] El tema y la técnica recuerdan a un pintor admirado por Toulouse-Lautrec, que era Edgar Degas.[2]
En el Moulin Rouge: dos mujeres bailando es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre cartón. Mide 95 cm de alto y 80 cm de ancho. Fue pintado en 1892, encontrándose actualmente en el Galería Nacional, Praga, República Checa.
Este es uno de los temas favoritos de Toulouse-Lautrec: el ambiente nocturno del cabaret Moulin Rouge de Montmartre (París). El pintor procura adoptar una postura realista: ni condena como persona de una clase social superior aquello que ve, ni tampoco lo embellece idealizándolo.[1]
El primer plano está ocupado por dos mujeres que bailan juntas, vestidas con sencillez. Detrás de ellas hay una barandilla que separa la zona de baile de la de mesas. Se reconoce, a la derecha, al pintor Charles Conder, y a la izquierda a François Ganzi. La figura con chaqueta roja es Jane Avril, cantante y bailarina del Moulin Rouge, protagonista de otras pinturas de Toulouse-Lautrec.[1
En el Moulin-Rouge, el baile o Baile en el Moulin Rouge (Dressage des nouvelles par Valentin-le-Désossé) es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre lienzo. Mide 115 cm de alto y 150 cm de ancho. Fue pintado en 1890, encontrándose actualmente en el Museo de Arte de Filadelfia, formando parte de la colección McIlhenny, Filadelfia, Estados Unidos.
Fue expuesto en el año 1890 en el Salón de los independientes.
El recién inaugurado Moulin Rouge es visto por Lautrec en clave casi de caricatura, captado en un momento de frecuentación por parte de la sociedad parisina. Diversos personajes interactúan entre ellos, se apoyan en la barra del bar, discuten y observan a las bailarinas. Gracias a la línea pictórica que guía el ojo hacia los personajes en segundo plano a través de una hábil disposición de los elementos sobre la tela. Allí se entrevé a un hombre con la cara de calavera y a la bailarina Jane Avril, musa del pintor. En ese segundo plano están retratados amigos del pintor, los también pintores M. Guibert, F. Gauzi y Marcellin Desboutin y el fotógrafo P. Sescau.
En frente de ellos, a la izquierda del cuadro, Valentin-le-Désossé (Valentín el descoyuntado), famoso vividor de la época, dirige a otra bailarina, anónima. Es pelirroja y fuerte, lo que hace pensar en La Goulue en una actuación en público. El movimiento de estos bailarines contrasta con la quietud del público.
En el primer plano, una elegante dama con vestido rosa y sombrero.
Henry Samary de la Comédie Française es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre cartón. Mide 74,9 cm de alto y 51,9 cm de ancho. Fue pintado en 1889, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia.
En este retrato Toulouse-Lautrec representa al actor de la Comédie-Française, Henry Samary. Aparece de cuerpo entero, sobre el escenario. Representa a Raoul Vaubert, personaje de comedia, vestido a la manera del típico dandi parisino, con zapatos de charol y sombrero de copa en la mano.
Henry Samary de la Comédie Française es un cuadro del pintor francés Henri de Toulouse-Lautrec. Está realizado al óleo sobre cartón. Mide 74,9 cm de alto y 51,9 cm de ancho. Fue pintado en 1889, encontrándose actualmente en el Museo de Orsay, París, Francia.
viernes, 20 de febrero de 2009
segunda nota
Nombre: Jupiter y AntíopeAutor: Jean Baptiste Marie Pierre
Epoca:30.20 - Siglo XVIII. Barroco/Rococó
Epoca:30.20 - Siglo XVIII. Barroco/Rococó
Tema: Alegorias Mitologia
Dimension:Lienzo. 114 x 197 cm.
Ubicacion:Museo del Prado. Madrid. España.
Reseña historica de autor:
Hacia 1730 siguió los cursos de pintura en la Academia y pintó su autorretrato hacia 1732. Ganó el Gran Premio de Pintura de la Academia en 1734, que conllevaba una estancia en Roma en la sede de la academia, entonces en el Palacio Mancini, donde residió entre 1735 y 1740 como pensionado del rey. Durante su estancia la Academia de Francia en Roma fue dirigida por Nicola Vleughels y Jean-François de Troy. De vuelta en París, Pierre es adscrito a la Real Academia de Pintura y Escultura el 29 de abril de 1741, en la que será recibido el 31 de marzo de 1742. En la década de 1740 Pierre destacará en todos los géneros de la pintura y recibirá numerosos encargos de amantes del arte, de la Corte y de la Iglesia. Las obras que presenta en los salones muestran la variedad de su talento: refleja desde escenas sarcásticas y costumbristas hasta grandes composiciones religiosas e históricas, así como obras mitológicas. Su gran éxito le permite ir escalando todos los peldaños de la jerarquía académica: en 1744 es nombrado ayudante de profesor, en 1747 se convierte en el participante más joven elegido para el concurso organizado por Lenormant de Tournehem y Charles Antoine Coypel, lo que le valdrá ser elegido profesor en 1748.
En 1752, cuando era ya un pintor muy prestigioso y reconocido por la crítica, fue nombrado Primer Pintor del duque de Orleans. Realizó numerosos diseños para las nuevas habitaciones del su Palacio Real, donde pintó también en un techo La apoteosis de Psique. En 1754, decoró el teatro privado del duque de Orleans en el barrio de Saint-Martin. En el Palacio de Saint-Cloud pintó en 1768 techo en el que representó la historia de Rinaldo y Armida (personajes de la Jerusalén liberada de Torquato Tasso). Entre 1752 y 1757, Pierre pintó dos cúpulas de la iglesia de San Roque de París, con los asuntos de El triunfo de la religión en la que cubre la capilla de la Comunión y de la Asunción de la Virgen, obra inmensa que cubre la capilla dedicada a la Virgen y que está considerada como su obra maestra.
En 1761, Pierre es nombrado caballero de la Orden de San Miguel y en 1770 consigue el cargo de Primer pintor del rey (sucede a François Boucher) y se convierte en director de la Real Academia de Pintura y Escultura.
Viejo (1739). Aguafuerte de Jean-Baptiste Marie Pierre que forma parte de una serie titulada Figuras dibujadas del natural entre el pueblo llano de Roma.
Ejerció también las funciones de superintendente de la manufactura real de los Gobelinos. Durente cerca de veinte años, junto al marqués de Marigny, el abbé Terray y -sobre todo- el conde de Angiviller, ejerció una influencia determinante sobre el arte y los artistas de su tiempo. Pierre reservó en esta época su talento sólo para los encargos reales, como los que realizó en Choisy, en el Petit Trainon y en el Palacio de Marly.
Pierre murió el 15 de mayo de 1789, en vísperas de la Revolucion Francesa.
Viejo (1739). Aguafuerte de Jean-Baptiste Marie Pierre que forma parte de una serie titulada Figuras dibujadas del natural entre el pueblo llano de Roma.
Ejerció también las funciones de superintendente de la manufactura real de los Gobelinos. Durente cerca de veinte años, junto al marqués de Marigny, el abbé Terray y -sobre todo- el conde de Angiviller, ejerció una influencia determinante sobre el arte y los artistas de su tiempo. Pierre reservó en esta época su talento sólo para los encargos reales, como los que realizó en Choisy, en el Petit Trainon y en el Palacio de Marly.
Pierre murió el 15 de mayo de 1789, en vísperas de la Revolucion Francesa.
Reseña obra:
Antíope, era hija de Nicteo regente de Tebas.Un día, Zeus, bajo tomando la forma de un sátiro y sedujo a su jovén y hermosa hija.Nicteo no solo no creyó la versión de Antíope, sino que la culpó de ello y le acusó de blasfemar.Antíope tuvo que huir de la ira de su progenitor y encontró cobijo en la corte de Epopeo, rey de Sición, con quien terminó casandose.De poco le sirvió pues finalmente y durante la guerra de ambas ciudades,murió Nicteo, y su marido Epopeo.Antes de su muerte,Nicteo dejó encargada la venganza de por su deshonra su hermano Lico.Lico, logró cumplir su encargo y trajo capturada de vuelta a Tebas a Antiope (que dió a luz a sus gemelos de Zeus, Zeto y Anfión durante el viaje.)Las desdichas que le esperaban en Tebas eran terribles.Su custodia fue encargada a la cruel mujer de Lico: la ninfa Dirce, (sacerdotiza de Dionisos).Envidiosa de su belleza y celosa de su marido Lico, Dirce se deleitó con todo tipo de martirios, disfrutaba dándole tirones del pelo y arañando su cara.Finalmente le encerró en una celda, negándole incluso el agua.A pesar de sus desdichas, pudó escapar y reunirse en un monte donde vivia con sus hijos.Estos, juraron vengar a su madre, derrotando a Licos del trono de Tebas y matando a Dirce, que acabó destrozada por un toro.
En él, el mito se reinterpreta en el dulce coqueteo de dos adolescentes, la timidez del primer amor...
El Zeus de Pierre, puede ser cualquier jóven enamorado, en cuyo rostro se refleja el enrojecimiento propio del deseo y la pasión.A nuestra Antíope, tambien se le han coloreado las mejillas con un leve rubor carmesí, gesto que delata que está cercano el fin de la inocencia.
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